UNA CANCIÓN PARA MARION (2012). Paul Andrew Williams. Comedia dramática. Jóvenes. Estreno. ***

A Marion, casada y con un hijo adulto, le quedan pocas semanas de vida. Es una mujer alegre, bondadosa, todo lo contrario que su arisco y taciturno marido, Arthur, incapaz de asumir el futuro y fatal desenlace, y de llevar una convivencia pacífica con su hijo James, del que hace años está distanciado. Pese a su estado terminal, la gran ilusión de Marion es cantar todos los días en un coro para jubilados, donde es muy querida, hasta el punto de que intentará con los demás que les seleccionen para participar en un concurso. Emotiva comedia dramática de indudable sabor agridulce, que pondrá un nudo en la garganta de cualquier espectador que se precie de ser medianamente humano. DeCine21. (3/6)

Amable y vitalista melodrama británico. Sencilla, ingenua, eficaz. Así es una película sin amargura ni cinismo en la que brilla una joven actriz británica con mucho encanto y dos estrellas ya veteranas. Stamp y Redgrave interpretan a un matrimonio anciano y Artenton a una voluntaria que da clases de música en una residencia. No inventa nada, no es especialmente original, pero funciona. Fila Siete. (2,5/5)

En esta grata tragicomedia, el poco conocido cineasta inglés Paul Andrew Williams dirige con vigor y emotividad a un reparto espléndido, que borda sus personajes. Ellos llenan de humanidad el fresco guión del propio Williams, quizás un punto sensiblero y poco abierto a la trascendencia, pero que rinde homenaje a la tercera edad y al voluntariado, al tiempo que reflexiona certeramente sobre el cariño conyugal, las relaciones paterno-filiares, la lucha contra los propios defectos y la necesidad de afrontar la enfermedad y la muerte con sentido positivo, disfrutando de la vida y dejándose ayudar por los médicos, familiares y amigos. O sea, en las antípodas —para bien— de la sobrevalorada y nihilista “Amor”, de Michael Haneke... J. J. M. (Cope)

LA BICICLETA VERDE (2012). Haifaa Al-Mansour. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Wadjda es una chica de 10 años que vive en los suburbios de Riad, la capital de Arabia Saudí. Aunque está creciendo en un mundo conservador, es divertida, emprendedora y siempre llega al límite entre lo que puede hacer y lo prohibido. Tras una pelea con su amigo Abdullah, un vecino con el que no debería jugar, Wadjda ve una bonita bicicleta en venta. Quiere desesperadamente esa bicicleta para poder ganar a Abdullah en una carrera. Sin embargo, la madre de Wadjda no se lo permite por temor a una sociedad que ve las bicicletas como un peligro para la dignidad de una chica... Contraste. (4/5)

Varios premios avalan este magnífico debut cinematográfico de Haifaa Al-Mansour, primera mujer que dirige una película en Arabia Saudita. Película ejemplar, valiente y sobria, que hace un fenomenal retrato del mundo femenino en Arabia Saudita, país musulmán muy conservador, políticamente teocrático y donde se viven de un modo estricto las costumbres sociales respecto a las diferencias entre hombre y mujer. La trama es muy sencilla, la planificación muy clásica, el ritmo algo lento (como gusta en Oriente) y la profundidad de los planteamientos innegable... DeCine21. (7/10)

Sorprende que se haya podido rodar allí sin problemas una película cuyas denuncias al fundamentalismo islámico respecto a esos temas son rotundas y contundentes. Aunque, ciertamente, la directora y guionista mantiene siempre un gran respeto hacia la religión islámica en general y hacia la sincera piedad de los personajes. La película padece una cierta irregularidad narrativa y otros leves defectos visuales de principiante. Sin embargo, funciona muy bien tanto en sus pasajes dramáticos, como en sus pasajes cómicos o tragicómicos, gracias a la fluida puesta en escena naturalista y, sobre todo, a las fresquísimas interpretaciones de los actores principales... J.J.M. (Cope). (7/10)

OCTOBER BABY (2011). Andrew y Jon Erwin. Drama. Jóvenes. Estreno. **

Hannah es una joven universitaria que sufre un desmayo mientras está interpretando una obra de teatro. La chica es asmática y además tiene un historial de epilepsis, pero hay algo más... No todos su males parecen físicos. Hannah siente que su vida no tiene sentido. Y mientras consultan con el médico recibirá una noticia tremenda. Ella es adoptada; su verdadera madre quiso abortar, pero falló... Tras el shock Hannah emprenderá la búsqueda de su madre biológica. película de marcado carácter antropológico, enriquecido por una explícita visión cristiana de la vida. DeCine21. (5/10)

La fotografía y música son buenas aun­que pecan de efectistas, buscando conmover de una manera fácil, frenan la acción; en el caso presente se­ría innecesario, ya que la historia es buena y los actores, solventes; hay que descubrirse ante los jóvenes ac­tores que, por una vez, parecen gente de verdad, gen­te normal y no los estereotipados adolescentes de pe­lículas de graduación, y casi todos son gente a la que se toma cariño; los padres, sobre todo el padre, lo tie­nen más difícil, pero cubren bien el expediente. La producción es modesta, la planificación televisiva y la historia -la manera de contarla- es previsible... Fila Siete. (3/5)

Los hermanos Jon y Andrew Erwin, cineastas de identidad cristiana, en “October Baby” recrean muy libremente un episodio real de la vida de la californiana Gianna Jessen. En 1977 ella nació “por accidente”, ya que fue fruto de un aborto “mal” realizado cuando su madre estaba de siete semanas. Ha tenido muchas deficiencias motoras, superadas gracias al esfuerzo y la oración de su madre y hermana adoptivas. Han cambiado mucho la historia al llevarla al filme, pero han conservado los aspectos nucleares. A pesar de que la producción y planificación es muy de tvmovie, la película está resuelta con buen oficio, a través de un buen guión y unos excelentes actores. J.O. (Cope). (7/10)

FOR GREATER GLORY (2012). Dean Wright. Drama histórico. Jóvenes. Estreno. ***

Entre 1926 y 1929 pasó algo que, aún hoy, en México, sigue siendo un tabú o al menos un asunto del que se considera que es mejor no hablar, por aquello de no revolver el pasado y para que los chicos del mandil, que no salen de los centros de poder ni con agua caliente, no se inquieten demasiado. Ese algo es la Guerra Cristera, también llamada Cristiada. Cualquier persona decente, independientemente de sus creencias o ideas políticas, es capaz de entender que hay algo que se llama libertad. Y si esa libertad se pisotea, pasan cosas. Lo que cuenta es tan tremendo que parece ficción, pero no lo fue... Fila Siete. (4/5)

Cine histórico con aliento épico del debutante Dean Wright, hasta ahora técnico de efectos visuales y director de segunda unidad en sagas como El Señor de los Anillos y Las Crónicas de Narnia. For Greater Glory (Cristiada) se basa en hechos reales poco conocidos, sucedidos en torno a la revolución mexicana, cuando manifestar la propia fe podía tener un alto precio. El director sirve muy bien las escenas de acción, y ofrece escenas de personajes brillantes, como la de Andy García, Gorostiega, asumiendo su liderazgo, o la del pequeño enfrentándose a la muerte. El reparto coral hace que algún personaje esté apenas esbozado, pero el conjunto tiene solidez y conmueve. DeCine21. (6/10)

En el filme están nítidamente dibujadas las principales fisonomías que se pueden encontrar en una disyuntiva histórica como la Guerra Cristera: el mártir, el apóstata, el converso, el cura guerrillero, el cristófobo, el vengativo… Y la película deja muy claro que la posición del mártir es la más fiel a la vocación cristiana. Además, los personajes que encarnan cada una de esas opciones tienen un desarrollo dramático complejo, propio de un buen guión. Elogio especial merecen el fluido montaje, la agobiante fotografía, el esmerado diseño de producción y, sobre todo, la vibrante partitura de James Horner (“Braveheart”, “Titanic”, “Avatar”). J. O. (Cope) / J. J. M. (7,5/10)

LAS FLORES DE LA GUERRA (2011). Zhang Yimou. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

En 1937, la ciudad de Nanking es el principal frente de la Guerra entre China y Japón. John Miller llega a una iglesia católica para preparar el entierro de un sacerdote. A su llegada, el joven norteamericano, que trata de aprovecharse de las necesidades de la guerra, se ve convertido en el único adulto entre un grupo de alumnas que viven escondidas en el convento. Poco después, buscarán refugio en la misma iglesia varias prostitutas de un burdel cercano. Cuando John se encuentra en la posición indeseada de protector de los dos grupos ante los horrores del ejército invasor japonés, descubre el significado del sacrificio y el honor. Película conmovedora que sobrecoge al espectador. Increíble, dura, bella y sobretodo, inolvidable. Cinemanet

Junto con la taquillera Hero, Las flores de la guerra es la su­perproducción más ambiciosa e internacional de Zhang Yimou. La primera fue nominada al Oscar a la me­jor película extranjera en 2003, la segunda quedó fi­nalista al Globo de Oro de esa misma candidatura en 2012. Para lograr esta repercusión, el director ha contado con un diseño de producción imponente (el presupuesto casi ha llegado a los 100 millones de dó­lares) y un actor carismático: Christian Bale (que curiosamente empezó a hacer cine en una gran película de ar­gumento bélico en terreno nipón: El imperio del sol, la obra maestra de Spielberg). La película (basada en los hechos reales contados en la novela de Yan Geling), intenta rescatar los restos de belleza y de bondad que florecen en medio de la guerra. Fila Siete. (3/5)

De un modo sorprendente, y mediante miles de sutilezas visuales y de regates de guión, la película se convierte en un tratado sobre la dignidad y sobre la alternancia de papeles que te impone la vida en circunstancias extremas. Hay tanta intensidad y momentos tan pasionales y emotivos que las dos horas y media que dura hacen literalmente "puf" y se disuelven. El trabajo de Christian Bale, inmenso, está lleno de dificultad por la sutileza y la mudanza que expresa su personaje, un aventurero, un oportunista, que le encuentra ese punto de contradicción a la frase de que el hábito no hace al monje. Como si hubiera encontrado aquí el reverso de Batman. ABC. (3/5)

DESPUÉS DE LA BODA (2006). Susanne Bier. Drama. Jóvenes-adultos. DVD. ****

Sidse Babett Knudsen interpreta a Helen –un personaje casi épico– en esta vigorosa película de la danesa Susanne Bier, que entra con bisturí en el drama de la vida para extraer un poco de luz. Jacob es un cuarentón danés que ha dedicado su vida a ayudar a los niños de la calle en la India, pero el orfanato que dirige está a punto de cerrar por falta de fondos. De pronto, recibe una oferta inesperada: un hombre de negocios multimillonario danés, Jørgen, está dispuesto a donarle millones de dólares, a condición de que Jacob viaje a Dinamarca a entrevistarse con él. Jacob accede, y en el curso de la reunión, el financiero insiste en invitarle a la boda de su hija, que se celebra al día siguiente. En esa boda, Jacob se encontrará con la citada Helen, una vieja amiga, y ese encuentro cambiará de arriba abajo la vida de todos los personajes. Alfa y Omega.

La directora danesa Susanne Bier confirma sus dotes de gran narradora de historias, gracias a un guión coescrito con Anders Thomas Jensen, que contiene magníficos quiebros y requiebros, que lejos de estar forzados, se producen con naturalidad. Parece que Bier nos está contando inicialmente, con agilísimo ritmo, una historia sobre las diferencias entre los países pobres y la opulenta sociedad occidental, y sí, esto está también presente; pero sobre todo construye cuatro grandes personajes y sus interrelaciones, de gran solidez, que además de producir en el el espectador emociones genuinas, empujan a la reflexión de que hay que ayudar a los que están lejos… y a los que están cerca... DeCine21.

El movimiento Dogma'95 se americaniza en este excelente melodrama que optó al Oscar® a mejor película de habla no inglesa durante la última edición. No se lo llevó porque sólo se concede un galardón y "La vida de los otros", de Florian Henckel von Donnersmarck, también es un gran film. Pero en esta ocasión tendrían que haber clonado la estatuilla y entregado una de ellas a Susanne Bier, quien aúna en su propuesta lo mejor de la estética promovida por Lars von Trier y la narrativa más ágil y trasparente del género norteamericano. El ensamblaje es tan perfecto que, unido a unas interpretaciones antológicas y a una interesantísima historia, logra que podamos hablar de una obra maestra, profunda, equilibrada y próxima a cualquier espectador... J. R.  (La Butaca).

EL CUARTETO (2012). Dustin Hoffman. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Cecily, Reggie y Wilfred se conocen desde hace tiempo. Son cantantes de ópera retirados en un asilo de músicos. Cada año, con motivo del cumpleaños de Verdi, organizan una velada musical para gente de la zona. Pero este año, todo cobra un cariz diferente debido a la aparición de la ex diva Jean, vieja conocida que trastoca la paz del feliz trío. Buena música, estupendas interpretaciones y un guión amable son los ingredientes de la opera prima como director del actor Dustin Hoffman... Fila Siete. (3/5) 

El septuagenario actor californiano Dustin Hoffman debuta brillantemente como director con esta entrañable adaptación de la obra teatral del sudafricano Ronald Harwood, en la que ha reunido a un antológico elenco de actores veteranos y algún que otro músico de reconocido prestigio. Todo ello, para dotar de alma a una historia sencilla y quizás ligera, pero que subraya con acierto y entusiasmo la necesidad de saber hacerse mayor —sobre todo si uno es artista—, sin dejar de desarrollar las propias cualidades, pero renunciando al egoísmo acumulado, arrepintiéndose de las heridas causadas con los propios defectos, perdonando las ofensas recibidas y, en su caso, recuperando la capacidad de amar y ser amado. J.J.M. (Cope). (7/10)

Durante el rodaje

El cuarteto (Quartet) es una película pequeña y amable, un canto a la vida en cualquiera de sus etapas, drama con muchos toques de humor, y que también supone un reconocimiento al mundo de la lírica, y en general, a todos los artistas. Historia muy conveniente para Hoffman, que maneja bien en su condición de primerizo, sin intentar alardes innecesarios. El reparto es excepcional, están magníficos Maggie Smith y Tom Courtenay, el matrimonio que se rompió, el travieso y mujeriego Billy Connolly, y la ingenua y con señales de demencia senil Pauline Collins. DeCine21. (6/10)

LINCOLN (2012). Steven Spielberg. Biográfico. Jóvenes. Estreno. ****

El Lincoln de Spielberg es una película con una atención inmaculada al detalle, una pulcritud formal a prueba de bombas, unas interpretaciones sobresalientes y una frialdad y un tono demasiado calculador al que no nos tiene acostumbrados el realizador de E.T. Más que un biopic, la cinta es un relato histórico de los pormenores de los dos acontecimientos que marcaron más a fondo la presidencia de Abraham Lincoln: la aprobación de la 13ª enmienda, que supuso la abolición de la esclavitud, y la rendición del bando confederado, que puso fin a la Guerra Civil en Estados Unidos. Fila Siete. (3,5/5)

Se trata de una gran película histórica, con numerosos pasajes de thriller político, leves apuntes intimistas sobre la familia Lincoln y algunas breves pero intensas escapadas a los campos de batalla de la Guerra de Secesión. Ciertamente, “Lincoln” no tiene la enorme capacidad emocional de otros filmes de Spielberg, que esta vez ha primado el rigor narrativo a la hora de retratar los intensos últimos cuatro meses de su admirado decimosexto presidente de Estados Unidos... Quizás no sea redonda, quizás pierda fuelle a ratos, pero se trata, sin duda, de una obra mayor del veterano cineasta de Cincinnati, que puede iluminar el presente con su poderoso retrato del pasado. J. J. M. (Cope). (8/10)

Spielberg consigue que el ejercicio de la política parezca algo grande en Lincoln; no obvia que es necesario negociar, comprar voluntades, ejercer la persuasión de modo diferente con personas diferentes. Aquello de que “la política es el arte de lo posible” se entiende en las concesiones que unos y otros deben hacer, la necesidad de tragarse el orgullo, pero también de intentar lo imposible para hacer lo posible...  Probablemente nunca ha sido Spielberg mejor director de actores que en este film, donde nadie parece actuar... Películas como Lincoln, sencillamente, dignifican la profesión cinematográfica. DeCine21. (9/10)

MOSCATI: EL MÉDICO DE LOS POBRES (2007). Giacomo Campiotti. Biográfico. Todos-Jóvenes. Estreno. ***

Nápoles, inicios del siglo XX. Giuseppe Moscati es un médico con brillante futuro que consigue plaza en uno de los mejores hospitales de la región: “el hospital de los incurables”. Moscati dedicará toda su vida al cuidado y atención de los enfermos, en especial de los más pobres. En su camino se cruzará la joven aristócrata Elena, que hará replantearse a Giuseppe su futuro. Su fama en lo personal y en lo profesional hizo de Giuseppe Moscati una de las personas más queridas en Nápoles. La Butaca 

Producción televisiva concebida para la RAI, en la línea de otros filmes hagiográficos de la compañía italiana. Dirige Moscati Giacomo Campiotti, autor de Prefiero el paraíso (sobre San Felipe Neri). Tiene el acierto de divulgar la vida de una figura menos conocida fuera de Italia, Giuseppe Moscati, que fue canonizado por Juan Pablo II hace 25 años. Moscati tiene una factura digna a pesar de un presupuesto claramente ajustado. Campiotti ha escogido muy bien al elenco, encabezado por Beppe Fiorello. Con un tono amable, se centra en los sacrificios personales de Giuseppe Moscati... DeCine21. (5/10)

Fiel a su formato de miniserie, la película tiene una estructura episódica, pero muy bien llevada desde el punto dramático y narrativo. No se debe esperar un rigor científico en la exposición histórica de los hechos, pues el medio no lo permite; pero sí que se nos ofrece un fiel retrato humano de este santo, de su forma de vida, de sus opciones y vicisitudes... En torno a los episodios de la vida de Moscati, la película de Campiotti también habla de la relación entre fe y razón, del valor de la amistad, de la lealtad y el respeto, amén de las citadas actitudes cristianas de la entrega y el sacrificio por los demás... J. O. (“Alfa y Omega”). (7/10)

LOS MISERABLES, EL MUSICAL (2012). Tom Hooper. Musical. Jóvenes. Estreno. ***

En 1815, un preso recibe su libertad condicional, tras 19 años de trabajos forzados por haber robado un trozo de pan para su sobrino hambriento. Jean Valjean empieza, así, a vagar por pueblos y aldeas donde no recibe ni sustento ni trabajo debido a su condición de exconvicto. Un suceso, protagonizado por un obispo que le acogerá en su casa, le revelará el poder redentor del perdón y el amor por los semejantes. Comenzará entonces una nueva vida, marcada por la sombra del oficial Javert, su superior en la cárcel de Toulon-Digne. TacOnline. (3/5)

Conste que fui muy bien dispuesto al pase de prensa: me gustaron los clips promocionales y el making es muy inteligente y cautivador. No sé si sería la sala donde la he visto pero el sonido no era bueno: frontal, para nada envolvente. Me parece que en cine, el avance tecnológico más trascendente en las últimas décadas es el registro, la edición y la reproducción del sonido. El sonido de Los miserables no es miserable pero sí pobre. Hay momentos en que la música debe ser vibrante, abrumadora… y no lo es... Es muy difícil que un musical o una ópera concebidos para ser representados en directo funcionen en el cine. Los miserables funciona regular, aunque el experimento de Hooper sea audaz y meritorio. Fila Siete. (3/5)

Los temas de Los miserables, el musical, son, por supuesto, los bien conocidos para todo aquel familiarizado con la obra de Hugo. Es decir, la confianza en Dios en situaciones extremas, el mantenimiento de la esperanza y la necesidad de dar gratis el amor a los demás. También el realismo de no negar la existencia de la miseria y de aprovechados que sacan partido exprimiendo a los más débiles o simplemente a los incautos, la disposición a dar la vida por ideales que merecen la pena, la lucha por la libertad. O la importancia de tener corazón frente a la tentación de atarse a frías normas y reglamentaciones... DeCine21. (8/10)

LA VIDA DE PI (2012). Ang Lee. Aventuras. Todos-jóvenes. Estreno. ***

Un escritor necesitado de inspiración concierta por recomendación de un amigo suyo una entrevista en Canadá con Piscine Militor Patel, conocido abreviadamente como Pi. De origen indio, supuestamente Pi es dueño de una historia increíble sobre su propia vida, tan asombrosa que cualquiera que la escuche acaba creyendo necesariamente en Dios. Intrigado, el escritor escucha el sugestivo relato de Pi, cuya familia tenía un zoo en Pondicherry, en la India en los años 70. Su padre se ve obligado a desprenderse del negocio, y viaja con los suyos rumbo a Canadá, dispuesto a vender allí a los animales... DeCine21. (7/10) 

Era cuestión de tiempo que la novela del canadiense Yann Martel llegara al cine. La obra ganadora del Booker en 2002 es una historia característica de la narrativa de escritores indios que viven o han vivido en Occidente. A Martel hay que reconocerle el mérito indudable de no haber abusado del pintoresquismo sincretista de muchos de sus colegas. Su novela, poderosa y bien escrita, entronca con una tradición literaria muy poderosa de la que Conrad es la cima, que sitúa al ser humano en un ambiente hostil y en situación de indefensión para ir en busca de su voz, de su manera de asumir la vida y la muerte. Fila Siete. (3,5/5)

Aunque Lee reduce y simplifica el rico fondo religioso y filosófico del libro, logra una película fascinante, con momentos de arrebatadora belleza... La deslumbrante y emocional puesta es escena de Ang Lee, la sensacional interpretación del joven indio Suraj Sharma, el abigarrado retrato costumbrista y espiritual inicial, el impresionante naufragio… justificarían de por sí la inclusión de “La vida de Pi” entre los grandes títulos del cine contemporáneo. Pero, además, la película, a pesar de sus discutibles limitaciones, plantea una profunda reflexión sobre Dios, la religión y la fe, con especial incidencia en la providencia divina y el sentido del sufrimiento. JJM (Cope). (8/10)

EL FESTÍN DE BABETTE (1987). Gabriel Axel. Drama. Jóvenes. Reestreno. ****

Excelente iniciativa la del reestreno en salas comerciales de una copia restaurada cuando se cumple su 25 aniversario. 

En 1870, las dos hijas de un fallecido y estricto pastor calvinista de un pequeño pueblo costero de Dinamarca reciben a una cocinera francesa, que ha escapado de la revolución. Ganadora del Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, esta cinta del ya nonagenario director danés Gabriel Axel es una exquisita adaptación de un cuento de la también danesa Isak Dinesen, seudónimo de la baronesa Karen Blixen, a la que encarnó magistralmente Meryl Streep en Memorias de África. La película es una bella y sensible parábola sobre el cristianismo y la fuerza del amor manifestada en algo tan sensible como la comida... Fila Siete. (8,5/10)

La narración de El festín de Babette, más profunda de lo que parece a simple vista, contrapone dos modos opuestos de encarar la existencia, aun dentro de la buena voluntad de ambas: la visión católica y la protestante. Se trata de un verdadero canto a la "joie de vivre", y a la realidad de que el ser humano está compuesto de cuerpo y alma, y ambos pueden gozar de las cosas buenas de la Tierra. Cuestiones como la comprensión, la apertura de mente, el amor y el perdón están bien presentes, y vienen facilitadas por algo en aparente tan prosaico como una buena comida. DeCine21. (9/10)

La sorpresa que nos depara el banquete es que se trata de una parábola, en la mejor tradición evangélica, sobre la Gracia. En una comunidad esclerotizada por una piedad rígida y una ética del cumplimiento. Babette, la francesa extranjera, es una visitación crística. Que simbólicamente se expresa en el crucifijo que lleva colgado y que se despliega en la sobreabundancia en unos manjares que deleitando al cuerpo acaban por afectar al espíritu, permitiendo la comunicación significativa y profundamente humana entre el alma encarnada y el cuerpo animado... Pantalla 90.

BUSCANDO A EIMISH (2012). Ana Rodríguez Rosell. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Buscando a Eimish es, sobre todo, una historia de amor. El punto de partida es el conflicto que se produce cuando uno quiere dar un paso más y el otro no. Como desenlace de esta situación, Eimish (Manuela Vellés) se va de casa y Lucas (Óscar Jaenada) emprende un vertiginoso viaje en tren hacia el pasado de su novia, para recuperarla. Es una historia de amor, pero también de amistad, entendida como la familia que creamos a lo largo de la vida. De familia, como unidad básica de supervivencia. De personajes que luchan por lo quieren. Y es un viaje. Es el viaje físico de Lucas buscando a su novia por Berlín, Verona y Borguetto. Y el viaje interior de todos los personajes, pero sobre todo de Lucas, que descubre quién es verdaderamente Eimish... y quién es él.

Sorprende gratamente la solidez narrativa, interpretativa y dramática de esta película, sobre todo teniendo en cuenta que es el primer largometraje de su directora. Todas las interpretaciones son excelentes, y transmiten emociones muy variadas, confirmando así la calidad del guión y del propio reparto, compuesto por un grupo de actores y actrices heterogéneo, pero muy brillante. Aunque quizás lo más llamativo del filme es la audaz estructura narrativa de su guión, plagado de elegantes idas y venidas en el tiempo, que van fragmentando la información y dosificando las intrigas, al tiempo que enriquecen la linealidad de la trama principal. J.J. Martín (Cope). (8/10)

Ana Rodríguez Rosell, guionista y directora, entrega algo muy parecido al famoso cine "indie" estadounidense, que tanto gusta a otra mujer cineasta española, Isabel Coixet. Rodríguez Rosell, con ritmo pausado y logrado equilibrio, se las arregla para crear en Buscando a Eimish una atmósfera perfecta de búsqueda de la felicidad, a la que empuja el deseo de amar y ser amados, propio de cualquier persona con los pies en el suelo... Inteligente coproducción hispanoalemana, nada en la trama de Buscando a Eimish suena a artificial o a impostado... DeCine21. (3/5)

LA PEQUEÑA VENECIA (2011). Andrea Segre. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Shun Li es una mujer china, que tras trabajar un tiempo en Roma en la industria textil, es "destinada" a un pueblito de pescadores muy próximo a Venecia, para que regente un bar que frecuentan los lugareños. Atada a las mafias chinas que le permitieron emigrar, ahora debe seguir ligado a lo que toque si desea que su hijo de ocho años, que vive con el abuelo en China, pueda reunirse con ella un día: debe esperar la feliz noticia de que se permite viajar al chaval. Gracias a su amabilidad y buen corazón trabará amistad con Bepi, un anciano pescador apodado "el poeta"... DeCine21. (6/10)

Bellísima historia contada con una delicadeza y un sentido del relato admirable. Segre cuenta su historia con un esmero que habría sido en vano con unos actores de menos talento, pero afortunadamente lo tienen, son perfectos. La foto, el montaje, la música, el casting, las localizaciones son piezas que encajan sin esfuerzo en una película que viene a demostrar que para hacer un cine exquisito hace falta bien poco. Bueno, ustedes me entienden, bien mucho… Siempre que se tenga una historia que merezca ser contada... Fila Siete. (4,5/5)

Esta película sencilla desprende autenticidad por los cuatro costados. No hay subrayados ni planteamientos enfáticos, nada de melodrama ni lágrimas fáciles. Con enorme naturalidad presenta el drama de los personajes, y con la misma naturalidad triunfa el bien, a partir de una concepción positiva y esperanzada de la condición humana. La belleza de Venecia y su entorno, fotografiada con maestría por Luca Bigazzi (“Un lugar donde quedarse”), son un perfecto telón de fondo para esta cinta que en el fondo reivindica una concepción de Europa abierta y humanista (y en el filme, sutilmente cristiana)... J. O. (Cope). (8/10)

HOTEL TRANSILVANIA (2012). Genndy Tartakovsky. Animación. Todos-jóvenes. Estreno. ***

Los vampiros, y los monstruos en general, ya no son lo que eran. Tal vez sea para bien, han pasado muchos años desde aquel Nosferatu y ahora dan miedo… otras cosas. Como un regalo del viejo baúl de la Hammer vienen un puñado de monstruos clásicos, decididos a hacernos pasar un buen rato y a reconciliarse con la humanidad. El nuevo relato habla de un conde Drácula, padre amoroso, cuidando de su hijita y protegiéndola, a pesar suyo. La trama principal se convierte en un historia de padre protector-hija adolescente de corte clásico, ambientada en un castillo donde los pobres y buenos monstruos descansan de la presión estresante de los humanos... Fila Siete. (3/5)

Numerosos gags cómicos de Hotel Transilvania tienen su gracia. Si bien la calidad de la animación no llega a la altura de los mejores producciones de terror, el estilo sencillo y de aire 'retro' de los personajes tiene su encanto... El conjunto parece estar enfocado sobre todo al público infantil, aunque su moraleja también tiene su interés para los adultos: los jóvenes deben explorar el mundo por sí mismos, por mucho que la ayuda y el cariño de sus padres resulten muy útiles para abrirse camino. También se puede interpretar como un sencillo pero eficaz alegato contra los prejuicios y a favor de la tolerancia. DeCine21. (6/10)

Algunos críticos han reprochado que “Hotel Transilvania” tome prestados personajes y golpes de humor de otras muchas películas, tanto de animación como de acción real… Como también es verdad que su guión es un tanto errático, y sufre varias caídas de intensidad... Pero lo cierto es que el conjunto no resulta para nada imitativo, ofrece numerosos golpes de humor muy divertidos y acaba teniendo personalidad propia, incluso en su empleo del 3D estereoscópico... Acierta especialmente Tartakovsky al trasladar a su largometraje el espíritu gamberro y extremado, pero inteligente y elegante, de los mejores cartoons de los años 40 y 50... J.J.M. (Cope). (7,5/10)

UNA VIDA NUEVA (2009). Ounie Lecomte. Drama. Jóvenes. Estreno. ****

La directora Ounie Lecomte, francesa de origen surcoreano, se estrena (bueno, la película llega a España con tres años de retraso, aunque hay que aplaudir a la distribuidora) con una muy bella remembranza de su paso por un orfanato surcoreano. Hay mucha emoción en el relato pero nunca sensiblería. Conmueve pensar lo que le ha debido costar a esta mujer escribir y rodar la película. Las niñas protagonistas te dejan embobado, especialmente la pequeña Jinhee, que en los planos cercanos es demoledora, con su carita fruncida y sus ojos azabache. Hay planos de una belleza estremecedora. Fila Siete. (8/10)

A partir de un guión muy visual, lleno de conmovedores silencios y sustanciales diálogos, Lecomte despliega una detallista puesta en escena, de bellísima fotografía, que capta hasta el último gesto significativo de las sufridas niñas protagonistas, todas ellas con una veracidad apabullante, especialmente Kim Sae-ron. En fin, una pequeña joya, dolorosa en su sobrio realismo, pero formalmente bellísima, e inspiradora en su apertura a la esperanza. Es una lástima que su modesto estreno seguramente la haga pasar desapercibida. J. J. M. (Cope). (8/10)

Co-producida —y también algo co-escrita— por Lee Changdong, el brillante y arriesgado director que se hizo cargo del ministerio de Cultura de su país en una etapa ciertamente benigna para la cinematografía coreana, Una vida nueva se nutre de las experiencias personales de infancia de la Lecomte y, quizá, ahí resida parte de la explicación de la convincente ilusión de verdad, absolutamente limpia de poses e imposturas, que transmite esta valiosa miniatura. Pero no hay que olvidar las otras razones que sustentan los notables logros de la película: un preciso control del estilo... J.C. El País.

UNA BOTELLA EN EL MAR DE GAZA (2011). Thierry Binisti. Drama. Jóvenes. Estreno. ***

Tal es una joven judía de origen francés que vive en Jerusalén con el temor de los atentados. Naim es palestino, vive en Gaza. A través de una carta, enviada en una botella, y muchos correos electrónicos forjarán una amistad que pretende superar al odio que sacude su tierra. El inmortal romance de Romeo y Julieta le sirve al francés Thierry Binisti, para hablar del terrible conflicto que sigue azotando Oriente Medio. Para esto, Binisti se apoya en la novela homónima de tintes autobiográficos de Valérie Zenatti que se ha encargado, con el director, de la adaptación. Fila Siete. (3/5)

Binisti desarrolla una puesta en escena naturalista de gran eficacia dramática, tanto en los pasajes intimistas como en las impactantes secuencias ambientales de violencia y tensión, resueltas con un brillante empleo de la cámara en mano, el fuera de campo y el sonido ambiente. Pero donde realmente se luce el cineasta francés es en su rigurosísima dirección de actores y en el guión que ha coescrito con la novelista Valérie Zenatti, de ágil ritmo narrativo, muy veraz en sus diálogos y enormemente equilibrado en el reparto de grandezas y miserias entre los contendientes. J.J.M. Pantalla Grande. (7,5/10)

En su arranque parece que Una botella en el mar de Gaza va a ser excesivamente idealista, limitándose a reseñar una bonita y almibarada relación hipotética entre un palestino y una habitante de Israel. Pero el director acierta al apoyarse en una puesta en escena realista, con la que logra describir de forma convincente el día a día en la franja, una realidad poco conocida "¿Llega internet hasta Gaza?", se pregunta la amiga de la protagonista en un momento dado. El resultado es un alegato a favor de la tolerancia que no esconde las dificultades para llegar a un entendimiento definitivo. DeCine21. (6/10)

ÉRASE UNA FE (2010). Pierre Barnérias. Documental. Todos-jóvenes. Estreno. ***.

¿Es la fe la misma en la Sabana, en los montes tibetanos o en la selva del Amazonas? Esta es la pregunta que se hacen Charles y Gabriel. Con 23 y 25 años, estos dos jóvenes parten en un viaje al encuentro de los cristianos del otro lado del mundo y de una Iglesia a veces “olvidada”. Así que viajan en bicicleta durante un año por las rutas de la fe para llegar a conocer a estos cristianos olvidados o perseguidos 2.000 años después de Jesucristo. Un solo objetivo para estos mochileros: compartir esta misma fe que une a los pueblos que, en apariencia, son tan diferentes. La Butaca.

Esta película se presentó con una calurosa acogida durante la Jornada Mundial de la Juventud de Madrid 2011. El director lo deja muy claro: “Se trata de un filme del que estoy orgulloso. Destapa el velo sobre un tema tabú: 200 millones de cristianos en el mundo no pueden vivir libremente su fe, y parece que los medios de comunicación no siempre están muy interesados. Gabriel y Charles consiguen captar la atención de los espectadores y nos llevan a la sencillez y al humor de muy diversos países, para que, junto a sus gentes, podamos descubrir una Iglesia que nunca podríamos haber imaginado”. J. O. Pantalla Grande. (7,5/10)

Sencillo documental, en el que se nota que no hay unos profesionales rodados –si se nos permite el juego de palabras– del cine detrás, pero donde la falta de conocimientos técnicos y artísticos se suple con la fuerza de lo narrado. En un film como Érase una fe, los testimonios de las personas que desfilan en las imágenes es fundamental, y lo cierto es que los que hablan, te desarman. Cabe preguntarse cuál es el público de este film. ¿Es sólo para católicos archiconvencidos? Para ellos también, sin duda, pero parece pensado para gente que se autodenomina cristiana, pero que no se toma su fe demasiado en serio. Y a los no creyentes les hará reflexionar... DeCine21. (6/10)

AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO (2010). Zhang Yimou. Drama romántico. Jóvenes. Estreno. ***

La cinta cuenta una sencilla historia de amor entre una adolescente ingenua, hija de unos activistas contrarios al régimen maoista, y un atractivo joven militar. Los dos protagonistas tendrán que enfrentarse a los obstáculos que amenazan con convertir su apasionado romance en un drama de amor imposible. Y Yimou resucitó. Y quizás no lo ha hecho con una obra maestra que pase a los anales de la historia, pero sí con una cinta pequeña muy superior a los últimos fuegos artificiales a los que nos tenía acostumbrados. Fila Siete. (7/10)

La historia está contada con la sencillez y el sentido lírico del mejor Yimou, sin artificios espurios ni subrayados retóricos. Aunque puede que el filme se dilate en exceso, se ve compensado por sus hallazgos visuales, dramáticos e incluso poéticos. Por un lado, dibuja una historia de amor tan casta y pura que a muchos les puede parecer irreal o inverosímil. Por otro lado, el dibujo que hace de la revolución de Mao es tan poco ideológico, que se entiende como una crítica contundente para el que quiera abrir los ojos. El mismo Zhan Yimou fue víctima de la “reeducación” por razones familiares. J.O. (La Linterna). (7,5/10) 

Zhang Yimou demostró la fuerza y delicadeza con que puede manejar una historia de amor en El camino a casa (1999). El cineasta vuelve a recorrer este terreno con más sencillez pero igual talento a través de un enamoramiento adolescente muy bien contado, tremendamente romántico, donde evita dos enormes riesgos, la grosería y la cursilería. Lo hace adaptando una novela de Mi Ai, en que orilla bastante la cuestión política -aunque no deja de mostrar los excesos del culto a la personalidad de Mao y al partido en aquella época-, para centrarse en lo humano, el entorno familiar y la pareja protagonista. DeCine21. (7/10)

PROFESOR LAZHAR (2011). Philippe Falardeau. Drama. Jóvenes. Estreno. ****

Candidata al Oscar a la película en lengua no inglesa, ganadora del premio al guión en Valladolid, mejor película canadiense en Toronto. Una maravilla. Soberbia película canadiense ambientada en una escuela de enseñanza secundaria de Mon­treal. Un trágico suceso conmociona a alum­nos y profesores. Y Bashir Lazhar, un pro­fesor argelino de 55 años que vive en Ca­nadá por motivos que desconocemos, se ofre­ce a cubrir la baja de la profesora falleci­da. La directora del centro no está muy con­vencida, pero acepta a Lazhar, que encuen­tra a los niños en situación de absoluto desconcierto, unos pequeños que reaccio­nan de muy diversa manera ante la trage­dia y afrontan el día a día como buenamen­te pueden. Fila Siete. (5/5)

La cinta aborda de forma entrelazada dos grandes cuestiones: la crítica a un sistema educativo que sólo instruye y no educa; y la experiencia del duelo y sus implicaciones. Por un lado, Lazhar llega a un ambiente cultural y pedagógico en el que los niños son falsamente protegidos de la realidad. Así, Lazhar descubre que no puede hablar con ellos de lo que realmente les preocupa, que no puede ni siquiera tocarles y que tampoco debe intentar elevar demasiado su nivel cultural. Lazhar va a tratar de obedecer las normas, pero cada vez le va a ser más difícil ser políticamente correcto. J. O. Pantalla Grande. (7,5/10)

Magnífica película escrita y dirigida por el canadiense Philippe Falardeau, que adapta una obra de teatro de Evelyne de la Chenelière. Ha sido nominada al Oscar a la mejor película extranjera, y tiene la mayoría de las cualidades exigibles a un gran film: una historia interesante, conflictos, apasionantes temas de fondo, y personajes bien definidos. Todo presentado con un tono sobrio, una paleta de colores apagados –gran parte de la narración transcurre en invierno–, y una partitura musical perfecta para acentuar el “mood” entre triste y esperanzado que preside el film. DeCine21 (8/10)